Ya se ha hablado en este blog de la influencia que los pioneros del soul ejercieron sobre los grupos británicos de los sesenta, y de cómo éstos hicieron mil versiones de artistas como James Brown, Ray Charles, Sam Cooke o Marvin Gaye, por citar sólo algunos ejemplos.

The Who siguieron el camino abierto un par de años antes por los Beatles, los Stones o los Animals, y también dejaron clara su admiración por la música negra. Y más aún cuando se convirtieron en punta de lanza del movimiento mod que fue, en buena parte, el culpable de que los jóvenes ingleses bailaran como posesos al ritmo del soul estadounidense.

En octubre de 1965 The Who sacaba a la venta un single que pasaría a la historia: la cara A contenía la mítica “My Generation” y, para la cara b, el grupo eligió una versión de  “Shout & Shimmy”. Se trata de una canción cuya autoría suele atribuirse a James Brown, aunque lo cierto es que el bueno de James lo único que hizo fue reinterpretar con pequeños cambios el clásico “Shout” original de los Isley Brothers (autores también del  “Twist & Shout” que popularizaron los Beatles).

Aquí la canción de los Isley Brothers

Y aquí la versión de los Who, en una actuación de 1965, con exhibición a la batería de Keith Moon y bailecito de Pete Townshend incluido.

Los Who versionaron también otros temas como “Please, Please, Please” y “I Don’t Mind” de James Brown, “Daddy Rolling Stone” del gran Otis Blackwell o “Heatwave” de Martha Reeves & The Vandellas, uno de los grupos femeninos más importantes de la música soul que, como las Supremes, salió de la factoría de Motown.

Aquí la original de Martha Reeves & The Vandellas

Aquí la versión de los Who

La década de los sesenta dejó un buen puñado de grupos que en su día quedaron tapados por la genialidad de los Kinks, los Beatles, los Who, Stones, Small Faces, The Byrds y compañía. Con estas bandas editando casi dos discos al año y escribiendo sobre la marcha la historia del pop y el rock, no era fácil colarse en las listas de éxitos. Sin embargo, son muchos los grupos de aquella época que hicieron grandes canciones y a los que es necesario escuchar. Pienso por ejemplo en los Pretty Things, en los grandísimos The Zombies (que se separaron hartos de pasar desapercibidos y que son de lo mejorcito de esos años), en The Turtles (siempre a la sombra de los Byrds) y así sucesivamente, porque la lista es infinita.
Sin ser quizás tan brillantes como los grupos que acabo de citar, los Easybeats pueden ser un ejemplo de todo esto. Tuvieron muchos altibajos pero, vistos con la perspectiva del tiempo, está claro que dejaron buenas canciones.

The Easybeats se formaron en Australia, aunque todos sus miembros eran hijos de inmigrantes europeos. Dos de ellos provenían de Inglaterra, otros dos de los Países Bajos, y otro (el guitarrista George Young, hermano mayor de Angus y Malcom Young, futuros componentes de AC/DC) venía de Escocia. La banda nació a finales del 64 bajo la influencia de los grupos británicos que comenzaban a sonar en las antípodas, y en dos años se convirtieron en un fenómeno en Australia, donde editaron varios singles y tres elepés (Easy, It’s 2 Easy y Volume 3).

Una vez que habían arrasado en su país, el grupo se muda a Londres para probar suerte en el Reino Unido. Allí tienen el apoyo del productor Shel Talmy (que había trabajado con los Kinks y los Who) con quien los Easybeats graban la famosa “Friday on my mind”, el único gran éxito que tuvieron en Europa.

FRIDAY ON MY MIND

Entusiasmados con el éxito de “Friday on my Mind” los Easybeats se establecen definitivamente en Londres dispuestos a conquistar Europa, pero sus siguientes trabajos no tendrían la misma repercusión. Entre 1967 y 1969 lanzan en el Reino Unido varios singles y tres elepés que tienen una acogida bastante floja en el mercado británico, lo que provoca la separación definitiva del grupo en el 69.

Aún con todo, ya digo que los Easybeats hicieron unas cuantas canciones que merecen mucho la pena. De todas ellas yo me quedo sin duda con este “Good Times”, una canción de esas que te ponen las pilas y un temazo como la copa de un pino. Por cierto que, aunque no aparece en el vídeo, el enorme Steve Marriott colaboró con los Easybeats en esta canción y su voz entra como un tiro en el estribillo. El final de la actuación no tiene desperdicio, con el cantante Stevie Wright montándose una fiesta delante del micro.

gonna have a good time tonight,
Rock n’ Roll music gonna play all night,
Come on baby it won’t take long,
Only take a minute just to sing my song!!

Españoles: queda inaugurada esta sección.
Con el título de El final de una década iremos dejando por aquí cosillas sobre algunos de los grupos que han surgido en esta década que se acaba. Se me ocurren varios nombres para empezar (The Mooney Suzuki, por ejemplo, que son de mis preferidos) pero me apetecía hacerlo con uno de los grupos que mejor se lo han montado y, sobre todo, que más me divierten de los últimos años.

Ok Go no son sobresalientes en nada, pero son notables en muchas de las cosas que tiene que tener un grupo además de la música pura y dura. Y, por encima de todo, transmiten un buen rollo impresionante, que ya es mucho. Se han hecho archiconocidos por la originalidad de sus videos y quizá eso ha dejado en segundo plano sus canciones, que son igual de enérgicas, directas y divertidas.

Se formaron en Chicago a finales de los noventa liderados por el cantante y guitarrista Damian Kulash y el bajista Tim Norwind, y debutaron en 2002 con el disco homónimo Ok Go, que contenía este “Get Over it”:

http://www.youtube.com/watch?v=95FQPCFozmQ&feature=related

La canción (y el disco entero) tenía pegada y estaba bien; muy de grupo americano -demasiado para mi gusto- y con un estribillo de esos potentes y machacones. Pero aún les faltaba a Ok Go ese puntito que los hiciera diferentes a otras bandas, eso que consiguieron con el sonido, la estética y la puesta en escena de su segundo trabajo, editado en 2005 y titulado Oh No. Un disco con más arreglos y mejor hecho, pero que no perdía ni la fuerza ni el humor del primero. El bombazo lo dieron cuando, para presentar la canción “Here it goes again” se sacaron de la manga este video con una coreografía hecha sobre las máquinas andadoras de un gimnasio:

En realidad Ok Go ya habían hecho otros dos vídeos coreografiados, también bastante divertidos, y que os invito a que busquéis por la red si no los habéis visto. Yo dejo aquí un par más (el vídeo de “Do What you want” y una actuación en directo de “Here it goes again”).

Esto… perdón por haber tenido el blog parado este tiempo. En realidad he estado renegociando mi contrato y ahora ya me pagan una pasta gansa por escribir aquí.

Quería dejar en este Long Play alguna referencia a Mark & The Spies, uno de los grupos que me han llamado la atención últimamente, y a los que podéis ver retratados muy formalitos en esta foto de aquí abajo.

Mark & The Spies vienen de un sitio llamado Veenedaal en los Países Bajos y debutaron en 2007 con un LP homónimo en el que ya dejaban claro que lo suyo era el pop de melodías directas heredado de los sesenta. Mucho de los Beatles y del Mersey Beat y  mucho del pop garajero de bandas como los Remains.
Ahora, reconvertidos de cuarteto a trío, acaban de sacar al mercado su segundo disco, titulado Give me a look y editado por la discográfica alemana Screaming Apple Records.

Dejo aquí una canción, a ver si gusta.

Parece que el 2008 nos tenía guardada todavía alguna sorpresa.
Aunque en Inglaterra apareció en el mes de julio, ha sido a finales de año cuando ha llegado a España el debut de Kitty Daisy & Lewis, un trío de hermanos londinenses de 15, 17 y 19 años que merecen mucho, pero mucho, la pena.

Hijos de Graeme Durham (ingeniero de sonido) y de Ingrid Weiss (que fuera batería de The Raincoats a finales de los 70), Kitty, Daisy y Lewis han crecido rodeados de instrumentos y viejos vinilos de los que se han empapado hasta la médula. Los tres cantan y tocan la batería, la guitarra, el piano, la armónica y el banjo. Casi como un juego comenzaron a actuar en pequeños garitos de su barrio, al norte de Londres y, por supuesto, no pasó mucho tiempo hasta que alguien, en este caso el sello Sunday Best, les echó el guante y les propuso grabar un disco.

El resultado es este álbum que podría haber sido grabado perfectamente en Sun Records allá por 1957: desde la portada (con un guiño evidente a la mítica foto de Elvis, Cash, Lewis y Perkins) hasta el sonido que han conseguido utilizando micros y equipos originales de los 50, pasando por la elección de canciones (hay algún tema propio, pero la mayoría son versiones)… En fin, todo un homenaje al rock & roll primitivo, el r&b y el bluegrass.

Dejo aquí “Going Up The Country”, original de Canned Heat, que es la canción que abre el disco.

Hay pocos hombres que lleven con frecuencia camiseta de tirantes y que, aún así, me merezcan respeto. Quizá el único sea Brian Setzer. Un tipo único e inimitable, amante de los coches clásicos (“para uso diario tengo un Cadillac del 60, un Dodge del 57 y un Chevrolet del 58”), de los puros Monte Cristo, de las Guitarras Gretsch, de las motos británicas de los 50 y de todo lo que huela a vintage… Ah, y un guitarrista de otro planeta.

STRAY CATS

En 1979 Setzer formó los Stray Cats junto al baterista Slim Jim Phantom y al contrabajista Lee Rocker. Juntos se convirtieron en todo un icono del movimiento que resucitó el rockabilly a principios de los 80, y dejaron un puñado de canciones geniales como Stray Cat Strut, Fishnet Stockings o Rock This Town, convertidas ya en clásicos. 
El trío se separó en el 93, aunque entre 2004 y 2008 se han vuelto a reunir para hacer varias giras aclamados por el público en general, y los rockers en particular, de todo el planeta.

Aquí los Stray Cats en sus inicios:

Aquí los Stray Cats en la reunión de 2004

THE BRIAN SETZER ORCHESTRA

Pero la carrera de Brian Setzer en solitario merece mención aparte. Por un lado ha seguido sacando buenos discos como solista. Por otro, cuando los Stray Cats se separaron, Setzer puso en marcha un proyecto bastante ambicioso que le rondaba por la cabeza desde hacía tiempo: crear una Big Band al estilo de las orquestas de swing de los años 40 (un género que le apasiona) y mezclar esa música con el rock & roll de los 50 que le corre por las venas. El resultado es la Brian Setzer Ochestra, que ha grabado ya nueve discos y que en directo suena tal que así:

Aquí haciendo una adaptación del clásico In The Mood de Glenn Miller

En el año 2002 Brian Setzer lanzó al mercado un disco navideño titulado Boggie Woogie Christmas y en 2005 lanzó otro con el nombre de Did That Crazy Christmas… Además, este año ha salido a la venta el dvd Christmas Extravaganza, en el que se recoge el concierto navideño que la Brian Setzer Ochestra ofreció el 18 de diciembre de 2004 en Los Ángeles.

El rock & roll tiene ya una larga tradición de música navideña y no hay artista que no haya grabado en algún momento de su carrera una canción para estas fechas. Pero tengo debilidad por Brian Setzer, y esta me parece una buena manera de felicitaros la Navidad desde Long Play… FELIZ NAVIDAD.

La verdad es que la recta final de 1968, de la que ahora se cumplen 40 años, fue cosa fina. El 22 de noviembre los Beatles lanzaban el White Album; ese mismo día salía a la venta también el disco We are the Village Green Preservation Society de los grandísimos The Kinks; el 3 de diciembre reaparecía Elvis en el ya mencionado 68 Comeback Special; y tres días más tarde, el 6 de diciembre, los Stones lanzaban su álbum Beggars Banquet. Para poner la guinda, los propios Stones grababan el 11 de diciembre un programa para la televisión británica titulado Rock & Roll Circus en el que actuaban junto a otros artistas como The Who, Lennon, Clapton (en aquel entonces guitarrista de Cream) Jethro Tull o Marianne Faithfull. Ese programa, grabado con el formato de un espectáculo circense, no vio la luz hasta 1996, cuando apareció tanto en disco como en película.

Beggars Banquet, a mí entender, marca el inicio de una de las etapas más loables de los Stones, la que va de 1968 a 1972 y en la que, además del propio Beggars Banquet, grabaron los discos Let it Bleed, Sticky Fingers y Exile On Main Street. Tras los ecos pop de Between the Buttons (un disco que a mí me encanta), y los coqueteos con la psicodelia en Their Satanic Majesties Request (su particular Sargent Pepper’s, aunque la jugada les salió peor que a los Beatles) los Stones decidieron volver a hacer lo que mejor sabían hacer. Beggars Banquet suponía un retorno a las raíces del rock, el country, y los sonidos añejos del blues: desde las guitarras de “Jumping Jack Flash” (que fue el single de lanzamiento de Beggars Banquet, aunque no estaba incluida en el disco) hasta el clasicismo blusero de “Parachute Woman”, pasando por los aires country de temas como “Dear Doctor”, todo en Beggars Banquet apuntaba a que las aguas de los Stones volvían a su cauce.

Precisamente varias de las canciones del álbum fueron interpretadas en directo durante la grabación de Rock & Roll Circus que, como digo, tuvo lugar sólo cinco días después de que saliera a la venta Beggars Banquet. Dejo aquí un fragmento del Rock & Roll Circus, con los Stones haciendo en directo dos temas del Beggars Banquet: la blusera “Parachute Woman” y “No Expectations”:

Pero, sin ninguna duda, la canción estrella del Beggars Banquet era “Sympathy for the Devil”, que además abría el disco. Para escribir la letra Jagger se había inspirado en la novela El Maestro y Margarita de Bulgàkov (el inicio de la canción recuerda mucho al del libro: “Please, let me introduce myself”). A lo largo de la canción, Lucifer (“un hombre rico y con clase”) se va declarando culpable de algunos desastres de la humanidad. Musicalmente, la canción nació casi como un tema acústico al estilo de Dylan, según ha reconocido el propio Jagger… poco a poco se fue acelerando el tiempo de la canción y se fueron incorporando las percusiones que le dan ese aire casi latino… Todo esto se ve claramente en el documental “Sympathy for the Devil” de Jean-Luque Godard, en el que los Stones fueron filmados en el estudio durante el proceso de composición de la canción.
Aquí la actuación del Rock & Roll Circus, con striptease satánico de Jagger incluido al final de la canción:     

Y, ya que estamos, no me resisto a dejar aquí una de las actuaciones que más me gusta del Rock & Roll Circus. Es la de Dirty Mac, grupo creado exclusivamente para la ocasión y cuyos miembros eran  John Lennon (voz y guitarra), el joven Eric Clapton (guitarra), Mitch Mitchell (batería de Jimi Hendrix) y Keith Richards al bajo. Casi ná.

 El 3 de diciembre de 1968, hace ahora cuarenta años, Elvis resucitó.
Estaba vivo, claro, pero musicalmente era casi un reflejo apagado de lo había sido diez años atrás. Llevaba siete años sin actuar en directo y él mismo llegó a creer que su momento había pasado. Pero el 3 de diciembre de 1968 Elvis reapareció en un concierto retransmitido por la NBC para todo Estados Unidos y demostró que aún estaba ahí. Su carrera volvía a relanzarse y ya no dejaría de dar conciertos hasta su muerte, en 1977. Ese especial televisivo del que se cumplen 40 años se tituló sencillamente Elvis, pero ha pasado a la historia con el nombre de 68 Comeback Special

LOS ANTECEDENTES

En 1960, cuando Elvis regresó de Alemania tras dos años de servicio militar, el rock & roll había perdido fuerza en los Estados Unidos; Buddy Holly había muerto, Little Richard había abandonado temporalmente la música, Gene Vincent y Eddie Cochran (que moriría meses después) se habían ido a Inglaterra, y el Gobierno de los Estados Unidos había hecho todo lo posible por borrar del mapa a Jerry Lee Lewis y a Chuck Berry sacando sus trapos sucios a la luz para la que la sociedad (y la ley) les condenaran. Para colmo, la mayor parte de las emisoras de radio que programaban rock & roll habían sido cerradas.

Con este panorama, a principios de los sesenta no quedaba mucho de aquel movimiento que en 1956 había sacudido a la juventud de todo el país. Las listas de éxitos estadounidenses estaban encabezadas por cantantes de twist y rockeros descafeinados de cara amable. Elvis continuó haciendo discos, pero Estados Unidos ya no era el epicentro del rock & roll; por supuesto, allí triunfaban grupos como los Beach Boys o The Byrds, pero los jóvenes británicos eran ahora los que recogían el testigo y lo llevaban un paso más allá; Los Animals, los Beatles, los Yardbirds, los Stones, los Who, los Kinks y compañía se convertían en el punto de referencia y encabezaban lo que terminó en llamarse “la invasión británica”.  

68 COMEBACK SPECIAL

Como decía, en 1968 Elvis lleva siete años sin actuar en directo. Durante ese tiempo se ha llegado a sentir intimidado por el éxito de grupos como los Beatles, pero en un momento dado parece darse cuenta de que esa nueva generación de músicos no pretende desplazarle, sino continuar lo que él (entre otros) ha empezado. Es el momento de volver y demostrarse a sí mismo, y a los demás, que Elvis está ahí.

El 3 de diciembre del 68, cuando estaban de moda los hippies comeflores y la psicodelia, Elvis reaparece en ese especial para la NBC enfundado en un traje de cuero negro y reinterpretando algunos de sus viejos éxitos.

El comienzo de ese 68 Comeback Special mostraba la pantalla en negro, y un primer plano de Elvis cantando Trouble y la genial Guitar Man. “Si buscas problemas, has venido al lugar adecuado”:

Aquél programa había sido grabado en el mes de junio. Además de los números que sirvieron como presentación, Elvis grabó dos conciertos ante una audiencia reducida en los que lucía el famoso traje de cuero negro (también se conoce a este concierto como el “Black Leather Show”). De esos conciertos salió el grueso que la NBC emitió en el programa especial que supuso el regreso de Elvis:

Existe un triple DVD titulado Elvis: 68 Comeback Special que contiene todo el programa de la NBC, además de material que quedó inédito y de lo que, en mi opinión, es un documento enormemente valioso: se trata de los llamados “Sit down Shows”, dos conciertos que Elvis ofreció una hora después de la grabación para la NBC ante una audiencia aún más reducida de la que había asistido a los shows. Tras abandonar el escenario, Elvis se toma un descanso y regresa acompañado de sus músicos de siempre (entre ellos su inseparable Scotty Moore). Con ellos va recordando los viejos tiempos e interpretando aquéllas canciones de sus primeros años. Ahí está el verdadero Elvis, despojado de todo artificio: cinco tipos acompañados únicamente de guitarras y con el estuche de una de ellas como improvisada batería:
Me sigue poniendo la piel de gallina oirle cantar Trying to get to you (esa manera de romper la voz, hacia el segundo 45 en este vídeo) o Lawdy Miss Clawdy…

Dejo también What you want me to do… a ver si poniendo muchos vídeos de Elvis mi madre se decide por fin a leer este blog.

Escuchar a los Detroit Cobras es una buena manera de descubrir el rock & roll y la música negra de antaño.

Mary Restrepo –guitarrista del grupo- contaba en una entrevista para Mondosonoro que ella y su compañero de piso se pasaban el día escuchando vinilos de los años 50 y 60. Decidieron formar una banda sin más pretensión que pasarlo bien versionando esas viejas canciones y reclutaron para ello a la cantante Rachel Nagy, ex carnicera y stripper de brazos tatuados, con buena voz y gusto por el rock & roll, el soul y el R&B sesentero. Eso ocurrió en 1995. Desde entonces, y a pesar de los muchos cambios de formación, no han dejado de hacer buenos discos versionando pequeñas joyas perdidas de los 50 y los 60.

La verdad es que sin salir de su Detroit natal, los Cobras ya tendrían material suficiente para versionar. Al fin y al cabo es la ciudad de la Motown, pero también de gran parte de los pioneros del rhythm & blues, del soul, del garage y del punk.

Siempre eligen buenas canciones, pero rara vez versionan grandes éxitos de la época, sino esas caras b que quedaron ocultas en el tiempo o, como mucho, la canción más popular de algún grupo olvidado. Tampoco quieren aportar nada a las canciones que versionan, aunque lo consiguen sin pretensión. Quizá esta frase de Rachel Nagy resuma mejor que ninguna el espíritu del grupo: “Si algún día oyes a los Cobras versionando algún clásico mustio nota por nota, tono a tono, según esa terrible y formal manera del blues académico, entonces podrás arrojarme a la cabeza algo afilado de verdad”.

A mí me engancharon mucho desde la primera vez que los escuché, cuando se dieron a conocer en España con su tercer disco (llevan ya cinco) Seven Easy Pieces, de 2004. Recomiendo además los dos primeros Mink Rat or Rabbit y Life, Love and Leaving.

 
Dejo algunas canciones. La primera es una versión del “Cha Cha Twist“, original de Hank Ballard.

La segunda es “Bye Bye Baby“, un tema que Mary Wells grabó en 1961 para la Motown y del que los Detroit Cobras hacen una versión muy elegante.
 

“Stupidity“, original del gran Solomon Burke.

“Cry On” original de Irma Thomas. Los Detroit Cobras se ponen tiernos.

Y por último. “Live My Kitten Alone“, original de Little Willie John.

Un post sobre Paul Weller daría para mucho. Daría para hablar de sus comienzos con The Jam, de la energía de ese trío que, en plena oleada del descastado punk británico, paseaba con orgullo la herencia de bandas como los Small Faces, los Beatles, Los Who o los Kinks y, al mismo tiempo, reivindicaba un hueco para el soul de la Motown. Daría para contar que, cuando The Jam estaban en la cresta de la ola, Weller decidió cerrar el chiringuito y comenzar una nueva aventura al frente de The Style Council, un grupo mucho más orientado al pop y al neo soul que, a algunos, nos parece la época menos interesante de su carrera. Y, por supuesto, daría para hablar de sus casi dos décadas como artista en solitario, convertido en referente para decenas de bandas británicas, con sus altibajos, pero manteniendo el tipo siempre y haciendo, en ocasiones, discos y canciones brillantes. Reconozco que yo sigo comprando sus discos sin importarme mucho lo que vaya a encontrarme. Es una costumbre. Es Paul Weller.

El caso es que, a lo largo de esa carrera que dura ya más de 30 años, Paul Weller ha dejado un buen puñado de versiones que merecen mucho la pena y que hablan alto y claro de la forma en la que ha ido manejando sus influencias. Los Jam ya versionaron a Wilson Pickett, a los Who, Beatles, Small Faces, Larry Williams o Curtis Mayfield, entre otros. En solitario, Weller ha llegado incluso a hacer un álbum exclusivemente de versiones (Studio 150) en el que grabó temas de artistas tan dispares como Gil Scott-Heron, Neil Young o Sister Sledge.
Las tres versiones que he elegido para escuchar aquí son bastante fieles al original, pero a mí siempre me da la sensación de que, en la voz de Paul Weller, suenan a temas propios.

WILL IT GO ROUND IN CIRCLES

La canción es original del grandísimo Billy Preston. Que yo sepa Paul Weller nunca la ha grabado en un disco, pero la tocó en el programa de Jools Holland en la BBC.
Este vídeo además demuestra algo verdaderamente importante: Paul Weller es el único tipo capaz de llevar una camisa de chorreras y seguir teniendo clase.

INSTANT KARMA

Pues eso. Instant Karma de John Lennon.

MOVE ON UP

Uno de los temas que versionó con The Jam. Tocar una canción de Curtis Mayfield en aquel momento decía mucho de las influencias de The Jam, y marcaba algunas diferencias con otros grupos británicos del momento.